Comment mettre en couleur

un dessin, placer des ombres,

ajouter des effets lumineux

pour créer de la profondeur...

Découvrez de nombreux conseils

pour développer votre technqiue

de dessin !

APPRENDRE

A DESSINER

#dessin #colorisation

#technique

Apprenez à créer des illustrations

numériques complètes !

Comment vie à vos personnages et dynamiser votre mise en scène,

comment mettre en couleur des décors et ajouter des effets visuels époustouflants ?...

Voici tous les conseils dont vous aurez besoin pour progresser !

Dessiner vos personnages

Voici comment apporter du dynamisme à vos personnages tout en respectant les proportions et l'anatomie.

L'erreur courante quand on dessine des personnages, c'est de se focaliser sur des détails comme le visage au lieu de le travailler dans son ensemble. Cela crée des problèmes de proportions et les personnages sont généralement trop rigide !

DESSINER LE SQUELETTE DU PERSONNAGE

Pour apporter une dynamique à votre personnage, commencez par tracer la courbe correspondante à la colonne vertébrale. C'est elle qui vous permettra de réaliser toutes les postures que vous souhaitez. Ajoutez la ligne des épaules et celle du bassin à chaque extrémité. Ces lignes suivent l'inclinaison de la colonne vertébrale.

Une fois cette étape réalisée, nous allons faire un squelette simplifié du personnage en se servant de lignes et de petits cercles pour marquer les articulations. 

Pour les bras et les jambes, les lignes commencent à chaque extrémité de la ligne des épaules et du bassin. Placez un triangle au bout de chacun pour marquer la position des pieds et des mains. Enfin, ajoutez enfin un ovale pour positionner la tête du personnage et un triangle en dessous de la ligne du bassin.

Pour simplifier la création, chaque trait qui compose le personnage (bras, avant-bras, épaules, bassin...) ainsi que la hauteur de la tête a une taille identique.

Afin de vérifier que la proportion du corps est correcte, vous devez avoir la même taille entre le sommet du crane et la ligne du bassin que celle du bassin jusqu'en bas des pieds.

 

DESSINER LA PEAU DU PERSONNAGE

Maintenant que le squelette a été réalisé, vous allez pouvoir dessiner les contours du corps de votre personnage. Il est plus simple dans un premier temps de garder un corps "nu" pour ne pas ajouter de la complexité avec les vêtements du personnage.

 

Assurez-vous de garder une épaisseur des bras et des jambes suffisante. Pour vous aider, vous pouvez augmenter la taille des cercles de pivot afin d'avoir des articulations réalistes pour les épaules, les coudes, les genoux...

Pour le visage, dessinez une croix qui va découper dans la hauteur et la largeur l'ovale déjà présent sur le squelette. Les yeux seront positionnés au niveau de la ligne horizontale et les éléments du visage (bouche, nez) seront alignés le long de la ligne verticale.

L'implantation des cheveux commence au premier quart en haut de votre ovale du visage. La base du nez se situe lui dans le premier quart en bas de l'ovale.

DESSINER LES VÊTEMENTS ET LES ACCESSOIRES

Vous allez maintenant pouvoir redessiner l'ensemble de votre personnage en ajoutant cette fois tous les détails nécessaires ainsi que les vêtements et accessoires.

Servez-vous de la construction précédente pour affiner votre dessin. Si vous dessinez sur papier, vous pouvez faire votre travail de construction au crayon très léger et gommer lorsque vous aurez encré votre dessin. Il est également possible d'utiliser une autre feuille que vous placez par dessus pour voir légèrement la construction au travers. Si vous dessinez au numérique, baissez l'opacité de votre calque de construction et dessinez sur un nouveau calque par dessus.

Pour faciliter le travail des vêtements, identifiez les points de tension de ceux-ci sur le corps (points rouge sur le dessin). Le tracé du vêtement va se prolonger le long du corps du personnage à partir de ces points de tension par le jeu de la gravité.

CRÉER DES PERSONNAGES ORIGINAUX

A présent, il vous sera facile de créer de nouveaux personnages en faisant simplement varier les proportions du corps lors du travail de squelette initial.

Augmentez la largeur de la ligne des épaules pour un personnage plus imposant ou allongez la colonne vertébrale pour le rendre filiforme... Pour la création de créatures ou de mechas, mélangez des inspirations animales, technologiques, humaines etc.

Ajoutez des détails, vêtements, textures de peau, fourrure, faites varier l'age, la chevelure, les accessoires, les couleurs ! Il n'y a pas de limite à votre imagination :)

DES POSTURES ENCORE PLUS DYNAMIQUES

Pour créer votre personnage, nous nous sommes servi de sa colonne vertébrale comme d'une ligne de force. C'est elle qui donne la dynamique au personnage.

Cette ligne de force va en fait se prolonger sur les jambes, les bras et la tête tout en assurant l'équilibre global du personnage.

Ainsi, si un personnage penche ses jambes d'un côté, le reste du corps va devoir compenser cette action en opposant un poids dans le sens opposé ! Même un personnage qui se tient droit a en fait tendance à incliner son bassin et ses épaules. La colonne et le reste du corps (bras, jambes, tête) vont donc rééquilibrer la posture.

En utilisant ce principe de ligne de force, vous serez capable de créer des postures plus vivantes pour vos personnages.

Colorisation numérique

des personnages

Vous souhaitez aborder la colorisation numérique ou perfectionner votre technique ? Voici plusieurs astuces pour vous aider à progresser !

Le principal atout du numérique est de permettre la création d'ambiances colorées et lumineuses afin d'amplifier l'immersion dans l'image ! Vous allez devoir procéder par étapes en travaillant par couches successives, notamment grâce à l'utilisation de calques. 

TRACE ET APLATS DE COULEUR

Commencez par créer un tracé propre de vos personnages (lineart) en jouant sur les épaisseurs de ligne notamment pour distinguer les contours des détails.

Sur un second calque, en dessous du tracé, vous allez pouvoir réaliser les aplats de couleurs de vos personnages. Cette couleur sera impactée par la suite par l'éclairage de l'environnement.

LES OMBRES

Au dessus du calque d'aplats de couleur, nous allons créer un nouveau calque destiné à recevoir les ombres. Celui-ci sera mit en mode "produit" afin de se mélanger avec les couleurs. Pour la couleur de l'ombre, choisissez une teinte en lien avec la couleur de l'environnement (le bleu du ciel pour un extérieur de jour par exemple ou rosé pour l'aurore...)

Vous pouvez utiliser plusieurs niveaux dans votre ombre. L'intérieur des plis par exemple sera plus sombre car aucune lumière ne pourra y parvenir.

LES SOURCES DE LUMIERE

Les personnages sont impactés par des sources de lumière directes (comme le soleil), et indirectes comme celle de l'environnement (le ciel). Il peut également y avoir des sources de lumière secondaires dont vous allez pouvoir vous servir pour ajouter du volume au dessin.

Sur un calque en "incrustation" au dessus de celui des ombres, ajoutez une teinte claire afin de représenter une source de lumière secondaire qui va se positionner dans les zones où il y a déjà de l'ombre.

Sur un second calque en "incrustation" au dessus, vous allez placer des halos lumineux dans la teinte de la source principale (un jaune clair pour le soleil).

Enfin sur un nouveau calque placé au dessus du tracé, vous allez pouvoir représenter les impacts de la lumière (avec du blanc) pour la source de lumière.

Si certains effets sont trop présents, n'hésitez pas à diminuer l'opacité de certains calques afin d'obtenir l'éclairage souhaité !

Voici en complément, une série de tutoriaux vidéos pour vous permettre d'aborder au mieux la colorisation numérique pour vos personnages.

Cadrage

et mise en scéne

Pour commencer, voici quelques astuces pour dynamiser le cadrage d’une
image et la mise en scène des éléments qui la composent !

CHANGER LE POINT DE VUE

ET CENTRER SUR L'ACTION

Le point de vue permet de changer la perception de l’image. Vous devez absolument éviter les vues frontales en jouant avec la caméra pour créer du dynamisme !

Utilisez des vues en plongée pour présenter la configuration d'un lieu ou pour exprimer une sensation d’écrasement. Une contre-plongée permettra de mettre l’accent sur le caractère dominant et imposant d’un lieu ou d’une personne. 

Un seul centre d’intérêt doit être mis en valeur (il faut donc cadrer l’image au plus près de cet élément) car vous devez toujours mettre l'accent sur l'action en cours.


Néanmoins, il est intéressant de décentrer la composition et parfois même
de l’incliner pour dynamiser la scène ! L’environnement peut être suggéré en plaçant des zones de l’image en hors champs car le cerveau interprète inconsciemment ces zones
non visibles.

CRÉER DE LA PROFONDEUR

Le spectateur doit être immergé dans l'image et pour cela vous allez devoir créer de la profondeur !

 

La première chose à faire est d'identifier un premier plan pour marquer la différence entre l'avant et l'arrière de la scène. Même si ce plan n'existe pas naturellement, vous devez trouver un élément à placer devant votre "caméra" (en hors champs). Servez-vous d'un arbre, un poteau ou encore un personnage pour le créer ! 

Cette différence entre le premier plan et l'arrière doit être marqué par des contrastes forts de couleurs, de luminosité... Le premier plan sera ainsi plus gros, détaillé avec du volume (ombres) tandis que l'arrière plan est plus uniforme et aplati.

Le choix d’un plan en grand angle renforce également l’impression de profondeur en exagérant les déformations entre le premier plan et l’arrière plan.

Colorisation numérique

des scènes et décors

Nous avons vu comment composer une scène pour la rendre plus vivante et immersive. Il est temps à présent de voir comment aborder la mise en couleur de celle-ci !

La colorisation d'une scène doit permettre à la fois de créer une ambiance et de renforcer l'immersion dans l'image par la profondeur de champs. Comme pour la mise en couleur des personnages, l'objectif est de fonctionner par couches de calques successives.

CRÉER UNE AMBIANCE COLORÉE

Pour vous permettre de donner une ambiance de couleur à votre illustration en extérieur, il est important de bien maîtriser l'évolution de l'environnement en fonction des moments de la journée et des conditions climatiques.

De jour, par temps ensoleillé, la couleur naturelle de la lumière du soleil est blanche.
Les rayons nous parviennent directement et l’atmosphère renvoi une couleur ambiante bleue qui se reflète dans les ombres (cela est particulièrement flagrant sur des décors enneigés qui renvoient la lumière).

Par temps couvert, la lumière est blanche et intense. Les couleurs de l’environnement sont désaturées. L’éclairage étant diffus à cause des nuages, il n’y a pas d’ombres.

A l'aurore, plus le soleil se couche et plus ses rayons sont déviés en traversant l’atmosphère. La lumière ambiante qui nous parvient alors passe du jaune au rouge au fur et à mesure que le soleil descend vers l’horizon. Les ombres s’allongent et réfléchissent de moins en
moins le ciel qui s’assombrit.

Au crépuscule, le soleil a disparu et il ne subsiste qu’un halo jaune orangé à l’horizon. Le ciel autour a prit une teinte violacé. Les ombres n’existent plus, on ne distingue que des masses sombres.

Une fois la nuit tombée, les rares sources lumineuses peuvent provenir des étoiles, de la lune ou encore des lumières de la ville... Seuls les éléments proches sont visibles. Il n’y a pas d’ombre naturelle.

Avant de commencer une illustration, il est important de bien visualiser l’ambiance
que l’on souhaite obtenir notamment en réalisant des planches inspirationnelles
à partir de photos, artworks, etc.

METTRE DE LA PROFONDEUR DANS UN DÉCORS

 

Une fois le tracé de votre scène réalisé, commençons par placer les aplats couleurs des différents éléments de l'image. Afin d’obtenir des effets de matière dans ces aplats, la technique consiste à ajouter des touches d’autres teintes dans la couleur de base.

Les ombres sont réalisées sur un calque séparé afin de positionner convenablement la lumière principale. (La couleur de ces ombres est définie par la couleur ambiante du ciel.)
Le calque des ombres est ensuite placé en mode produit au dessus des calques de couleur précédents.

L’utilisation de calques colorés de différentes opacités placés entre les plans permet de créer un effet de profondeur jusqu'au fond de l'image qui devient de plus en plus uniforme.

 

Par la suite, la création de halos en incrustation à l'aide d'un pinceau diffus permet de renforcer la diffusion de la source lumineuse dans le fond de l'image.

Pour terminer l'illustration, il ne vous reste plus qu'à supprimer les traits d'origine (ou d'atténuer leur intensité si vous souhaitez les conserver). Vous pouvez à présent peindre directement les derniers détails comme les impacts lumineux et les reflets de lumière issus d'une source secondaire.

AJOUTER DES EFFETS VISUELS

 

Nous allons voir maintenant comment jouer sur les différents effets visuels d'une illustration pour lui donner un aspect magique !

Les effets lumineux ressortent plus fortement sur un fond sombre. L’ajout d’une teinte en mode produit sur le décor permet au besoin d’obtenir ce résultat tout en créant une ambiance colorée. (Dans le cas présent, il s’agit d’un dégradé radial qui a l’intérêt de focaliser la vision sur la zone centrale plus claire !)

La réalisation d’effets lumineux s’effectue en ajoutant un halo coloré en superposition ou en incrustation sur le contour d'une forme blanche. Si vous utilisez un logiciel comme Photoshop, la réalisation d’effets s’effectue depuis les styles de calques (double-clic sur le calque) en agissant sur les paramètres lueur externe et lueur interne.

Des symboles runiques (ou de simples textes) peuvent être ajoutés dans les effets magiques.
Une fois dessinés de façon linéaire, vous pouvez les courber afin de créer un cercle dans un premier temps que vous mettrez ensuite en perspective dans l'image. Ajoutez comme précédemment un halo sur leur contour et le tour est joué !

L’utilisation d'un flou directionnel permet de donner du mouvement aux effets magiques
à partir de quelques traits dessinés au pinceau blanc. Placez un halo coloré par dessus pour lui donner un aspect encore plus lumineux.

Ses lignes de lumières peuvent être obtenues en créant des courbes vectorielles (tracés) tout comme les runes créées auparavant.

L’utilisation de dégradés radiaux permet de créer des cerceaux de lumières.
Vous pouvez les appliquer directement sur l’image en mode incrustation en diminuant l’opacité pour une meilleure intégration.

Il ne reste plus qu’à mixer ces différents effets pour obtenir des pouvoirs magiques dévastateurs dans votre illustration !

Vous pouvez maintenant vous inspirer avec ces quelques illustrations en "speed painting" réalisées pour Eden la seconde aube :)

A vous de jouer pour créer de magnifiques illustrations digitales !

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